La Biennale di San Paolo, curata da Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, quest’anno si concentra sulla relazione con la terra e con l’altro. Cerca di ricreare una polifonia di voci in un’eterotopia fisica, dove si incontrano i viandanti del mondo, per discutere e riscrivere insieme il concetto di umanità.
Un’umanità fatta di corpi, aspettative e nostalgie: elementi fisici e immateriali che cercano uno spazio di incontro, di dignità e di persistenza; Uno spazio di vita e racconto.

Il percorso, articolato nei tre piani della Fondazione nel Parque Ibirapuera di San Paolo, curato da Ndikung che da sempre lavora sui concetti di cura e umanità, inizia con un capitolo dedicato alla terra.

La terra è la radice, tanto fisica quanto psicologica, della cultura. A sua volta, la cultura dà forma agli spazi sulla terra, che le diverse comunità, incontrandosi, imparano a condividere. È attraverso l’ascolto reciproco che nascono spazi transnazionali, capaci di offrire rifugio e conforto, e di accogliere, almeno in parte, ciò che ognuno riconosce come la propria terra, la propria “casa”.

Il racconto prosegue con una riflessione sulle insorgenze e sul ritmo che ogni spazio imprime a chi lo abita. L’architettura, il tempo e la quotidianità scandiscono la vita degli individui. In città, questo ritmo spesso diventa violento: edifici verticali e imponenti, strutture blindate che negano riposo allo sguardo, una cadenza ossessiva che può risultare soffocante e annichilente per chi non vi è abituato. Questa stanchezza sfinente è generata da uno spazio imposto e serrato, che non ascolta né accoglie, e che traduce il consumismo in ritmo e architettura, soffocando creatività e intelligenza sotto uno stress più che fisico esistenziale.

Il quarto capitolo affronta il tema del flusso di cura e delle cosmologie plurali: la cura intesa come ascolto, tempo e spazio, spesso intrecciata a credenze, superstizioni, miti e simboli capaci di liberare dal ritmo imposto. Sono pratiche di resistenza alla violenza, storicamente radicate, particolarmente visibili nella cultura brasiliana. Oggi queste forme non solo testimoniano la possibilità di resistere, ma possono anche costituire un punto di partenza per aprirsi a ritmi alternativi rispetto a quelli occidentali.

Gran parte della Biennale parla di questa resistenza estetica, fisica e mentale contro la violenza spaziale e temporale imposta dai modelli occidentali. In spazi dove è difficile riconoscersi, dove non ci sono ombre autentiche né stelle, luci o volti veri, tutto appare veloce, replicato, artificiale.

Viene spontaneo chiedersi: di cosa parliamo quando parliamo di tempo, valore e cura? Perché guardare a pratiche ancestrali o ad altre culture sembra essenziale per comprenderli?

Questa Biennale non è un tentativo di redimere pratiche di consumo ormai consolidate, né un nostalgico ritorno a forme di un passato lontano ed esotico. Propone invece terre, ritmi, flussi e grammatiche antiche e moderne, alternative a quelle delle grandi “metropoli”, per ricordarci che esistono altri modi possibili di vivere il tempo e lo spazio. Invita a pensare che il dialogo e l’ascolto possano aprire a ritmi più sostenibili, per esseri viventi e natura.

La bellezza del mondo esiste e resiste, anche tra i palazzi che ci soffocano e nelle vite logorate da ambizioni estranee. Ed è una bellezza “intrattabile” (omaggio a Koyo Kouoh): non si può consumare, comprare, programmare per poi “tornare al reale” ritmo del metronomo occidentale. Come la fede, la bellezza concede respiro, dà speranza e permette di ritrovarsi negli spazi di vita, trovando la forza per resistere.

Io questo l’ho imparato in una realtà piccola e privilegiata, dal ritmo disordinato, che però non esplode mai: ogni giorno ricomincia nuovo, dimenticando le tempeste passate. Caricarsi della bellezza intrattabile del mondo significa procedere nella creazione di spazi di incontro.

Perché ogni ritmo che non ci appartiene è tremendo: rischia di inghiottirci e portarci lontano dalla nostra stessa identità.

È con lo sguardo di una storica dell’arte che ho attraversato le texture delle proposte della Biennale Architettura 2025, a partire dalla mostra principale all’Arsenale. Qui, le tematiche urgenti del nostro tempo (crisi ambientale, trasformazione digitale e il ruolo della collettività) danno forma e senso ai materiali dei nostri spazi vitali.
Centrale, da secoli, rimane il concetto dell’abitare, colto nei suoi significati profondi di rifugio, protezione e identità.

Entrando nell’Arsenale l’impatto è immediato: ci accoglie un ambiente caldo, insopportabilmente umido, che ci espone a uno stress termico insostenibile. Subito dopo, un’aria fresca e riconfortante ci avvolge, evidenziando come il privilegio del nostro tempo sia poter disporre di spazi climatici tollerabili. Si tratta di luoghi dove è possibile fermarsi e riflettere, dove esercitare il pensiero critico.

Proseguendo tra gli spazi dell’Arsenale, emerge un altro tema centrale: il binomio intelligenza artificiale – natura organica. Due mondi apparentemente distanti che, oggi, possono collaborare grazie all’intelligenza umana. Si delinea un nuovo e digitalissimo umanesimo, fondato sul potere demiurgico dell’uomo. Non è più la mano a plasmare la realtà, ma la ragione a controllare la natura per raggiungere i propri scopi.

Il senso permane, lo scopo cambia: se nel Rinascimento si rimodellava la realtà in funzione del piacere estetico, oggi si lavora per rendere la natura più efficiente rispetto alle nostre urgenze, perdendo però la sua identità di “interlocutore, controcorpo” (Han) .

Si cerca collaborazione là dove ciò che è naturale, per definizione, sfugge al controllo. Si ripensa la manipolazione non più come espressione del bisogno umano o della nostra identità sociale, politica e culturale, ma come una possibile alleanza armonica che segue le regole dell’ambiente.

Tutto questo prende forma in un percorso tra piante create in laboratorio e installazioni video basate sull’ intelligenza artificiale.
Progressivamente, si insinua una domanda: possiamo davvero avere tutto? Una natura bella, collaborativa, efficiente? È la natura stessa descrivibile, dicibile, comunicabile o controllabile?

Nel frattempo, si sperimentano nuovi spazi, pubblici e privati, ripartendo da un concetto fondante e da sempre stressato all’estremo: il tetto, il rifugio.
Abbiamo costruito le nostre abitazioni per proteggerci dalla violenza dell’esterno, ma quella stessa violenza è entrata nei nostri spazi più intimi attraverso l’altro, li ha corrotti e ci ha riportati verso l’esterno.
Il rifugio antico, oggi, ci fa sentire più esposti e vulnerabili che mai.

Chiediamo alla natura di tornare a insegnarci il ritmo della vita, di entrare con noi tra le mura domestiche, di restituirci quella quiete che abbiamo smarrito.

Natura e intelligenza artificiale: due “altri” che non condividono il nostro spazio. Ma chi abita davvero il nostro rifugio?

Passeggiando tra le opere della Biennale, emergono domande sul nostro rapporto con l’altro: spesso guardato da lontano, senza voce, senza sguardo.
E sul confine tra naturale e artificiale, che cerchiamo di armonizzare quasi con violenza.
Ci muoviamo tra angosce sociali e climatiche, cercando soluzioni senza davvero guardarci negli occhi.
Ma abitare con l’altro significa condividere vita, ritmi, progetti, con fiducia e reciprocità.
Solo così possiamo creare relazioni orizzontali e sviluppare insieme una coscienza condivisa, che si estende a natura e animali, per costruire insieme “il migliore dei mondi possibili”.

Sergio Carando (1951) è un grafico, fotografo ed artista originario di Borgo d’Ale, in provincia di Vercelli. In questa città studia pittura e decorazione, sviluppando il gusto verso un’arte preziosa e sofisticata. Attenzione però, il lavoro di Carando non allude alla preziosità quale sinonimo di sfarzo e opulenza, ma richiama l’aspetto più etico del termine e lo concretizza servendosi di tecniche complesse e materiali pregiati.

Carando è consapevole che l’eleganza risiede nella finitura del tocco e che l’armonia della composizione può trasportare e affascinare soltanto se sapientemente diretta. Ed infatti da compositore esperto dirige gli strumenti artistici con rara consapevolezza, per creare opere di una sorprendente ed eccezionale intensità.

Il quadro supera i confini imposti dalla cornice e finisce per diventare, come gran parte dei soggetti dell’artista, un vero e proprio classico. Un classico è ciò che procede nella storia riferendo sempre sé stesso, è uno spazio nello spazio, una dimensione mitica dove sogni, enigmi ed emozioni maturano liberamente. Allo stesso modo, le opere di Sergio Carando suggeriscono visioni d’altri tempi, riportano suggestioni antiche e le traslano nell’epoca moderna.

Proprio il dialogo con la storia appassiona e seduce chi guarda e riconosce nelle linee e nelle cromie di queste superfici la propria identità. Lo spettatore è trasportato nella trascendenza divina dell’oro, viene abbracciato dall’oltremare celeste, per poi trovare un rassicurante rifugio nel verde serafico. L’esperienza continua nell’ abbaglio dell’argento e termina tra le sfumature di rossi vertiginosamente profondi.

Le inattese sensazioni che i lavori sono in grado di suscitare nascono da un’ampia ricerca intellettuale e sono il frutto di un lavoro meticoloso ed appassionato, che richiede tempi di realizzazione estesi.

Nello specifico, per la maggior parte delle opere Carando usa come supporto una varietà pregiata di carta giapponese. Questo materiale ospita poi gli interventi successivi dell’artista: la stesura della tempera e l’applicazione della foglia d’oro o d’argento. Questa ultima fase è la più delicata perché la foglia è tanto preziosa quanto fragile e, affinché aderisca alla carta, è necessario porsi per qualche secondo in una condizione di “apnea”.

Successivamente l’artista estrae i pastelli soffici dalle scatole in cui sono custoditi rispetto alla tonalità e procede con la colorazione delle zone prescelte. Al termine di questo lungo processo avviene la finitura: Carando rimuove le eccedenze del pastello come fossero zucchero a velo, poi fissa il lavoro con un protettivo per impedire che materiali possano alterarsi.

Il risultato finale è eccezionalmente potente: un’intesa perfetta tra la nobiltà dei materiali selezionati e i colori che li integrano e valorizzano. Appena la luce incontra le superfici delle opere ogni parte acquista forza e significato, costruendo un dialogo con il resto delle componenti, lo spettatore e lo spazio circostante.

Sergio Carando è un artista colto, raffinato ed entusiasta che attraverso le sue opere crea con passione un discorso sinuoso e lineare, come una lezione di filosofia.

Trasportati in un oceano di ricordi e simboli che emergono simili a “reperti archeologici”, non si può far altro che lasciarsi coinvolgere nel turbinio di suggestioni di cui l’artista ci fa dono.

Dal 9 ottobre 2021 al 30 gennaio 2021 alla Fondazione Ferrero di Alba è possibile visitare la mostra “Burri. La poesia della materia”. Si tratta di un evento espositivo unico, in cui Bruno Corà ha tentato di concentrare in poche sale tutte le fasi della lunga vicenda artistica di Alberto Burri. Il percorso allestitivo scelto dal noto curatore non solo consente allo spettatore di entrare pienamente in sintonia con le intenzioni di un artista restio all’uso della parola, ma permette anche di cogliere tutte le influenze e le ascendenze culturali che ne hanno segnato l’opera.

Lo sviluppo dell’esposizione è caratterizzato dalla successione di supporti dai quali emergono come presenze fisiche i diversi materiali scelti dall’artista nel corso della vita. Queste costruzioni si ribellano alla bidimensionalità della tela e come attori ed attrici simulano teatralmente una comunicazione pari a quella tra i corpi vivi. Si tratta di presenze (o invadenze) che non provocano piacere in chi osserva, ma turbano ed opprimono perchè alludono senza illudere alle fragilità umane. Burri usa materiali “ostili” per mettere in scena una rappresentazione veritiera e realistica del mondo, dove l’osservatore si scopre in tutta la sua vulnerabilità. Per fare ciò l’artista rende lo spazio espositivo un vero e proprio campo di battaglia, dove l’uomo è assediato da una materia che irrompe e minacciosa brucia, fino consumargli l’ossigeno e rendere l’atmosfera soffocante.

Il confronto vis a vis con i lavori di Burri denuncia la natura sfuggente della materia artificiale, che appare esentarsi da qualsiasi controllo e crea da sé un nuovo linguaggio ben più efficace della parola. Questo è possibile perchè la realtà concreta basta a sè stessa, occupa la mente sinesteticamente, ed impedisce qualsiasi tipo di capriola mentale. L’urgenza espressiva dei materiali presentati da Burri sembra premere sull’umanità che si rapporta con essa. Lo spettatore sensibile può aprirsi a queste suggestioni materiche per farsi accompagnare, sollevare ed infine ferire dal loro inesorabile incedere. La visita si conclude con una riflessione sul linguaggio e sui suoi limiti: i lavori di Burri distruggono la comunicazione precostruita e dettano una nuova grammatica, dove il fraintendimento è impossibile. In definitiva, gridano senza fare rumore che l’umano è fragile e denunciano le tensioni di un’esistenza in precario equilibrio tra forze distruttive ed edificanti.

GIANLUCA CUTRUPI (Savona 1970)

Gianluca Cutrupi è un artista, ingegnere e designer di Savona. Il Fondatore della Kélyfos Gallery di Albisola considera l’arte un’“espressione libera”, capace di comunicare in modo immediato l’essenza estetica degli oggetti. In effetti, proprio l’esperienza nel design contemporaneo permette a Cutrupi di razionalizzare l’immaginario, restituendogli un’eccezionale armonia. Nelle mani esperte di Gianluca l’elemento fantastico è cristallizzato in forme essenziali. Si tratta di superfici seducenti che introducono lo spettatore in una realtà utopica, dove funzionalità ed estetica non bisticciano. L’opera del gallerista non stupisce soltanto perché rappresenta un’eccezionale concretizzazione dell’immaginario, ma anche per l’eterogeneità del suo iter formativo. Gianluca sembra giocare con lo spettatore, perché nasconde nelle forme semplici delle sue opere processi di costruzione complessi. Il più delle volte l’artista usa la ceramica, integrando alla fase di progettazione un accurato lavoro artigianale. Gli insegnamenti appresi tra le botteghe del savonese gli hanno infatti permesso di apprendere le tecniche moderne e tradizionali della manipolazione della ceramica. Queste sue molteplici qualità non sfuggono allo sguardo della critica nazionale, che gli ha riconosciuto importanti meriti. In particolare, di Cutrupi è apprezzata la capacità di restituire equilibrio al disordine del POP. Nelle forme esteticamente perfette dei suoi lavori si celebrano simultaneamente due strumenti artistici: la mano ed il computer. L’opera di Cutrupi è un’espressione compiuta dell’interdisciplinarietà artistica contemporanea, che parla il linguaggio moderno ma mantiene uno sguardo consapevole sulla storia passata. L’epilogo è la perla della Kélyfos: creazioni dalle cromie squillanti, capaci di restituire nuova linfa vitale alla tradizione.

ROBERTO GIANNOTTI (Savona 1962)

Roberto Giannotti appare una personalità poliedrica, una figura “a tutto tondo” e difficile da decifrare. Per queste ragioni incarna perfettamente l’ideale artista contemporaneo, capace di declinare i suoi molteplici interessi in creazioni innovative, che attirano l’attenzione e stimolano a pensieri inediti. L’artista, giornalista, architetto e designer savonese maneggia con sicurezza diversi materiali, introducendoli in una dimensione leggera ed ironica, di “gioco”. È proprio il ritorno alle fantasie infantili ad attirare lo sguardo dello spettatore sui suoi lavori. Chi vive la contemporaneità è abituato a prendersi sul serio e solo nel ricordo fanciullesco riesce a scoprire l’aspetto ludico dell’esistenza. Si tratta di un’interpretazione visionaria del reale di indescrivibile bellezza. Una bellezza semplice ma perfetta, che Giannotti riporta con delicatezza ai nostri occhi. Questi oggetti alleggeriscono la realtà, restituendogli la purezza ingenua della funzionalità. Giannotti trasforma il design in “una risorsa”, grazie alle capacità acquisite lavorando nelle più celebri botteghe d’Italia. In tal modo l’artista diviene in breve tempo un esperto artigiano, capace di restituire bellezza e praticità a materiali vivi e complessi come la ceramica, il vetro, la carta. I suoi lavori ridono dell’uso che vorremmo farne, sono giochi formali che servono a qualcosa ma dicono altro. ed è proprio quest’evasione mentale che sanno innescare a renderli così eccezionali. Occupano lo spazio reale ma accompagnano il nostro sguardo altrove. Nell’eterotopia conquistata da Giannotti la leggerezza diviene protagonista di ogni vicenda umana e “colora la vita come il sole colora i fiori”.