Riflessioni sulla Biennale d’Arte 2026

Minor Keys si apre sul la bemolle con cui si chiudeva il padiglione di Bartolini nella precedente edizione 2025: una transizione quasi impercettibile, senza rotture. Forse proprio perché ciò che davvero può emozionare e suscitare riflessioni è lo spazio della relazione. Uno spazio che non richiede dimostrazioni spettacolarizzanti ma rapporti intelligenti, tanto tra le due edizioni della rassegna d’arte, quanto tra l’“io” e il “tu” così estraneo e presente in questi eventi.

Il tema dell’altro è in effetti molto importante per gli artisti contemporanei, che si scontrano con una società di gomma, dove tutti sono terrorizzati dalle proprie fragilità. Quindi la domanda che si pone lo spettatore è: Come uscire da questa resistenza difensiva ed esporsi senza timore? Venezia durante Biennale è un’unica occasione d’esercizio essendo la città stessa storicamente viva e in tensione tra “conservazione e dissoluzione”.

Quest’anno artisti e mostre sembrano indurci ad una trasformazione lenta e spontanea, senza usare irruenza e provocazione. Quest’anno tutto (o quasi) è espresso in Tono minore:

“Racconta il trauma senza infliggerlo, attraversa il dolore senza sacrificare la complessità e la bellezza. In un tempo che sembra chiedere all’arte solo denuncia e consolazione, le frequenze più basse del presente aprono a un’esperienza collettiva di ascolto e possibilità.”

Ho iniziato le mie giornate a Venezia sovraccaricata dalle narrazioni visive che pervadono la nostra comunicazione quotidiana: tutto è spettacolarizzato, attira e satura lo sguardo.

Eppure, proprio da questo eccesso nasce il bisogno opposto a cui rispondono le mostre in laguna: quello dei toni minori, capaci di restituire spazio allo sguardo e al pensiero. In questo elenco vorrei parlare dei lavori che ho reputato più interessanti e coerenti al tema dell’evento.

Nelle Gallerie dell’Accademia Marina Abramović lavora sull’energia dei depositi minerari e sulla loro trasformazione nel tempo, in un processo che richiama anche la dimensione emotiva dell’amore: qualcosa che espone e rende vulnerabili. In questo movimento tra attrazione e separazione, si manifesta l’idea che la creatività viva proprio nel continuo passaggio da uno stato all’altro, nel non trattenere ciò che rischia di “morire” e mantenerlo in vita separandosene.

A Palazzo Fortuny Erwin Wurm guida il nostro sguardo con l’ironia e il paradosso. La pesantezza dell’eccesso viene disinnescata attraverso la distorsione: oggetti quotidiani si avvitano sui corpi instabili, ancorati nella terra da modelli imposti dal capitalismo sfrenato.

Boetti e Ufan alle Proceuratie aprono spazi di segni e geometrie che evocano il dialogo vivo e teso tra le identità dell’artista e le diverse nature dell’arte: riflessione e intrattenimento, materialità e sospiri.  

Alla Fondazione Prada Arthur Jafa e Richard Prince denunciano la “rude virilità” della società americana che influenza così fortemente tutto il mondo globalizzato. Sono proprio questo individualismo e machismo gli elementi principali da ridiscutere oggi, per lasciare spazio a nuove possibilità espressive.

Michael Armitage a Palazzo Grassi si confronta con la sofferenza e con le sue forme di rappresentazione. La sua tecnica densa che sovrascrive i legni originari dell’africa rievoca rappresentazioni potenti, capaci di aprire varchi di sofferenza tra dimensioni sociali, culturali ed ecologiche. Si parla di migrazioni: vite strappate e poi sospese in luoghi che non hanno coordinate se non quelle della violenza. Si parla di promesse che generano relazioni interspecie, offrendo nuove forme grottesche e piene di viva speranza.

A Ca’ Pesaro Saville mette in discussione il linguaggio stesso della pittura e la sua storia tradizionale, invitando a ripensare ciò che vediamo e la prospettiva maschile attraverso cui tradizionalmente lo raccontiamo. È un invito a ricominciare dalla tela e dall’olio, amplificando la presenza della carne per interrogarsi sui significati sociali del corpo. Sembra dialogare direttamente con l’opera July Chicago, esposta nella galleria Alberta Pane. Qui vengono esplorate diverse fasi creative dell’artista, dove viene evocato il corpo femminile, per mettere in discussione il paradigma patriarcale nella definizione del futuro.

A Palazzo Manfrin Anish Kapoor alterna spazi di nero assoluto e descrizioni dei processi che generano queste opere uniche. Si tratta di vuoti che non annullano, soglie disorientanti, fonti preziose dal quale sgorgano nuove possibilità di significato.

Il rapporto tra arte e intelligenza artificiale viene affrontato, tra gli altri, da David Salle a Palazzo Cini, che riflette sulla distanza tra le cose e la loro rappresentazione ai tempi della digitalizzazione. È importante ricordare che la tecnologia crea fratture ciclicamente nel corso della storia dell’arte ed oggi subiamo quella dell’Intelligenza Artificiale con particolare intensità. L’immagine si sgancia da ciò che descrive, ma sopravvive nella creatività dell’artista come è accaduto in tutti questi anni di storia. Infatti, ripetendo le parole di Leone XIV per il consigliatissimo padiglione della Santa Sede al Giardino Mistico, “La logica degli algoritmi tende a ripetere ciò che funziona, ma l’arte apre a ciò che è possibile. Non tutto deve essere immediato e prevedibile”.

Anche il lavoro di Paulo Nazareth a Punta della Dogana si muove in questa direzione: il passaggio da uno stato all’altro qui esemplificato nella pratica del cammino diventa pratica conoscitiva. In questo caso è il corpo lo strumento e l’opportunità d’accesso alla memoria e alla trasformazione.

Spostandosi nell’Isola di San Giorgio si entra nella dimensione preziosa della spiritualità, intesa come strumento per interrogare il presente. Nella Chiesa palladiana di San Giorgio Maggiore, Barry X Ball dialoga con Tintoretto e con la tradizione dell’immagine sacra usando materiali pregiati quali argento e marmo. Figure come San Bartolomeo trasformano lo strazio della sofferenza in occasione di rivelazione. L’arte traduce i pilastri della fede in opere di grande potenza evocativa. Poco distante, alla Fondazione Giorgio Cini, Georg Baselitz riprende la monumentalità delle icone religiose in grandi tele dorate dedicate alla moglie. La compagna di una vita ora è disciolta nell’oro, un materiale prezioso e assoluto che assorbe il tempo, le ombre e le nostalgie, sospendendo la figure in un’eterna promessa d’amore.

Accanto a queste esposizioni si articolano progetti e mostre della Biennale. In particolare, nei padiglioni nazionali domina il tema del corpo. Un corpo sempre più carico di responsabilità, esposto alle trasformazioni della storia e alle pressioni della tecnologia. Tra Arsenale e Giardini, spiccano Lussemburgo, Taiwan, Grecia e Francia, introducendo un registro ironico e leggero, che personalmente ho trovato opportuno e coerente alla mostra di Koyo Kouoh .

In particolare, tra i padiglioni ho preferito su tutti la Francia con Yto Barreca. L’artista avvia una riflessione interessante ma leggera, dove il mito di Saturno diventa chiave per leggere la nostra instabilità. Il cosmo gioca con i corpi e le energie all’interno di un quadro che sfugge alle strutture spazio temporali umane, portando lo spettatore in una dimensione più ampia. Tutto ciò non deresponsabilizza, ma stimola a alleggerire i pesi, a ridimensionare le nostre identità e fisicità e, soprattutto, ad “avere pazienza” verso una “polisemia” densa di simboli e contraddizioni.

Anche l’Italia rappresentata da Chiara Camoni si distingue per originalità e densità poetica. I materiali di scarto e le relazioni con gli artisti incontrati nel suo percorso si trasformano in narrazione. L’identità non è più qualcosa di stabile e da rivendicare, ma un processo che si origina dall’incontro instabile tra storie, rifiuti e ritmi sovrapposti. Con te con tutto apre alla possibilità di ritrovarsi in forme nuove, invitandoci a interrogare il presente con nuove “architetture in costruzione”.

Ed è proprio dal dialogo con gli artisti innescata dall’artista in questa Biennale che si genera la proposta del futuro. Una energia rigenerante che continua nello spettatore, chiamato a completare l’opera fuori dalla dimensione dell’arte, agendo attivamente nella propria quotidianità.

Nella mostra centrale Minor Keys, curata da Koyo Kouoh all’Arsenale e ai Giardini emerge un’idea di bellezza che non consola, ma resiste. È una bellezza “intrattabile” (come ricordato da Bonaventure Soh Bejeng Ndikung alla Biennale San Paolo 2025 ), che non si lascia ridurre a forma unica e che nasce spesso da condizioni di marginalità e avvia processi curativi e di trasformazione.

L’arte diventa così uno strumento di resistenza simbolica e di proposte alternative rispetto al presente. Non offre soluzioni, ma apre possibilità.

Come afferma Khaled Sabsabi tra l’arsenale e il padiglione dell’Australia: “La verità non è qualcosa da trovare, ma qualcosa che si impara a vedere”. Il nostro dovere in qualità di spettatori è mantenere questa energia viva e inquieta, lo sguardo aperto e non cedere alla malinconia o alla disillusione.

La mostra principale di questa Biennale costruisce un paesaggio fatto di linguaggi diversi, suoni, memorie e tensioni. Non impone un’unica lettura, ma apre varchi suggerendo prospettive sul passato e innescando orizzonti di possibilità sul futuro. Musica, archivi, storie minori, realismi alternativi, cosmologie, trascendenze e odori si intrecciano in una mostra densa e riuscita, che ci chiede di essere osservata, odorata e ascoltata prendendosi tempo e spazio. Gli allestimenti in cartone e le sedute frequenti sono esteticamente e concettualmente coerenti con una visione curatoriale impeccabile, il cui proposito è assemblare possibilità e gettare luce su chi “ripara ferite e mondi”.

Si esce da Venezia con la sensazione di essere “mele appiccicose”, “caramellate” (ma sopraffatte) da una moltitudine di immagini e suggestioni. Si percepisce scorrere nel proprio corpo l’energia divina (“IPAA”) sprigionata dalla promessa che apre la mostra in Arsenale:  “Sana, sana, colita de rana, si no sana hoy, sanarà mañana”.

Forse è proprio questa la semplice, infantile, banale verità: non esistono risposte definitive, ma possibilità che attivano e rendono creativo il nostro libero arbitrio. È possibile osservare ciò che guasto, ripararlo con pazienza, nella speranza e certezza che domani sarà sano.

“Ogni mondo osservabile è una possibilità abitabile da qualcun altro”: per ridefinire il futuro è necessario ritrovare la relazione con l’altro e scegliere con rispetto e consapevolezza. Siamo persone, entità virtuali e unità di consumo in un sistema di valori che può essere diverso, che può basarsi sulla dignità condivisa e sulla bellezza relazionale. Forse oggi tutto questo è associato alla resistenza, ma chissà che per il tu di domani diventi “normalità”.

La Biennale di San Paolo, curata da Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, quest’anno si concentra sulla relazione con la terra e con l’altro. Cerca di ricreare una polifonia di voci in un’eterotopia fisica, dove si incontrano i viandanti del mondo, per discutere e riscrivere insieme il concetto di umanità.
Un’umanità fatta di corpi, aspettative e nostalgie: elementi fisici e immateriali che cercano uno spazio di incontro, di dignità e di persistenza; Uno spazio di vita e racconto.

Il percorso, articolato nei tre piani della Fondazione nel Parque Ibirapuera di San Paolo, curato da Ndikung che da sempre lavora sui concetti di cura e umanità, inizia con un capitolo dedicato alla terra.

La terra è la radice, tanto fisica quanto psicologica, della cultura. A sua volta, la cultura dà forma agli spazi sulla terra, che le diverse comunità, incontrandosi, imparano a condividere. È attraverso l’ascolto reciproco che nascono spazi transnazionali, capaci di offrire rifugio e conforto, e di accogliere, almeno in parte, ciò che ognuno riconosce come la propria terra, la propria “casa”.

Il racconto prosegue con una riflessione sulle insorgenze e sul ritmo che ogni spazio imprime a chi lo abita. L’architettura, il tempo e la quotidianità scandiscono la vita degli individui. In città, questo ritmo spesso diventa violento: edifici verticali e imponenti, strutture blindate che negano riposo allo sguardo, una cadenza ossessiva che può risultare soffocante e annichilente per chi non vi è abituato. Questa stanchezza sfinente è generata da uno spazio imposto e serrato, che non ascolta né accoglie, e che traduce il consumismo in ritmo e architettura, soffocando creatività e intelligenza sotto uno stress più che fisico esistenziale.

Il quarto capitolo affronta il tema del flusso di cura e delle cosmologie plurali: la cura intesa come ascolto, tempo e spazio, spesso intrecciata a credenze, superstizioni, miti e simboli capaci di liberare dal ritmo imposto. Sono pratiche di resistenza alla violenza, storicamente radicate, particolarmente visibili nella cultura brasiliana. Oggi queste forme non solo testimoniano la possibilità di resistere, ma possono anche costituire un punto di partenza per aprirsi a ritmi alternativi rispetto a quelli occidentali.

Gran parte della Biennale parla di questa resistenza estetica, fisica e mentale contro la violenza spaziale e temporale imposta dai modelli occidentali. In spazi dove è difficile riconoscersi, dove non ci sono ombre autentiche né stelle, luci o volti veri, tutto appare veloce, replicato, artificiale.

Viene spontaneo chiedersi: di cosa parliamo quando parliamo di tempo, valore e cura? Perché guardare a pratiche ancestrali o ad altre culture sembra essenziale?

Questa Biennale non è un tentativo di redimere pratiche di consumo ormai consolidate, né un nostalgico ritorno a forme di un passato lontano ed esotico. Propone invece terre, ritmi, flussi e grammatiche antiche e moderne, alternative a quelle delle grandi “metropoli”, per ricordarci che esistono altri modi possibili di vivere il tempo e lo spazio. Invita a pensare che il dialogo e l’ascolto possano aprire a ritmi più sostenibili, per esseri viventi e natura.

La bellezza del mondo esiste e resiste, anche tra i palazzi che ci soffocano e nelle vite logorate da ambizioni estranee. Ed è una bellezza “intrattabile” (omaggio a Koyo Kouoh): non si può consumare, comprare, programmare per poi “tornare al reale” ritmo del metronomo occidentale. Come la fede, la bellezza concede respiro, dà speranza e permette di ritrovarsi negli spazi di vita, trovando la forza per resistere.

Io questo l’ho imparato in una realtà piccola e privilegiata, dal ritmo disordinato, che però non esplode mai: ogni giorno ricomincia nuovo, dimenticando le tempeste passate. Caricarsi della bellezza intrattabile del mondo significa procedere nella creazione di spazi di incontro.

Perché ogni ritmo che non ci appartiene è tremendo: rischia di inghiottirci e portarci lontano dalla nostra stessa identità.

È con lo sguardo di una storica dell’arte che ho attraversato le texture delle proposte della Biennale Architettura 2025, a partire dalla mostra principale all’Arsenale. Qui, le tematiche urgenti del nostro tempo (crisi ambientale, trasformazione digitale e il ruolo della collettività) danno forma e senso ai materiali dei nostri spazi vitali.
Centrale, da secoli, rimane il concetto dell’abitare, colto nei suoi significati profondi di rifugio, protezione e identità.

Entrando nell’Arsenale l’impatto è immediato: ci accoglie un ambiente caldo, insopportabilmente umido, che ci espone a uno stress termico insostenibile. Subito dopo, un’aria fresca e riconfortante ci avvolge, evidenziando come il privilegio del nostro tempo sia poter disporre di spazi climatici tollerabili. Si tratta di luoghi dove è possibile fermarsi e riflettere, dove esercitare il pensiero critico.

Proseguendo tra gli spazi dell’Arsenale, emerge un altro tema centrale: il binomio intelligenza artificiale – natura organica. Due mondi apparentemente distanti che, oggi, possono collaborare grazie all’intelligenza umana. Si delinea un nuovo e digitalissimo umanesimo, fondato sul potere demiurgico dell’uomo. Non è più la mano a plasmare la realtà, ma la ragione a controllare la natura per raggiungere i propri scopi.

Il senso permane, lo scopo cambia: se nel Rinascimento si rimodellava la realtà in funzione del piacere estetico, oggi si lavora per rendere la natura più efficiente rispetto alle nostre urgenze, perdendo però la sua identità di “interlocutore, controcorpo” (Han) .

Si cerca collaborazione là dove ciò che è naturale, per definizione, sfugge al controllo. Si ripensa la manipolazione non più come espressione del bisogno umano o della nostra identità sociale, politica e culturale, ma come una possibile alleanza armonica che segue le regole dell’ambiente.

Tutto questo prende forma in un percorso tra piante create in laboratorio e installazioni video basate sull’ intelligenza artificiale.
Progressivamente, si insinua una domanda: possiamo davvero avere tutto? Una natura bella, collaborativa, efficiente? È la natura stessa descrivibile, dicibile, comunicabile o controllabile?

Nel frattempo, si sperimentano nuovi spazi, pubblici e privati, ripartendo da un concetto fondante e da sempre stressato all’estremo: il tetto, il rifugio.
Abbiamo costruito le nostre abitazioni per proteggerci dalla violenza dell’esterno, ma quella stessa violenza è entrata nei nostri spazi più intimi attraverso l’altro, li ha corrotti e ci ha riportati verso l’esterno.
Il rifugio antico, oggi, ci fa sentire più esposti e vulnerabili che mai.

Chiediamo alla natura di tornare a insegnarci il ritmo della vita, di entrare con noi tra le mura domestiche, di restituirci quella quiete che abbiamo smarrito.

Natura e intelligenza artificiale: due “altri” che non condividono il nostro spazio. Ma chi abita davvero il nostro rifugio?

Passeggiando tra le opere della Biennale, emergono domande sul nostro rapporto con l’altro: spesso guardato da lontano, senza voce, senza sguardo.
E sul confine tra naturale e artificiale, che cerchiamo di armonizzare quasi con violenza.
Ci muoviamo tra angosce sociali e climatiche, cercando soluzioni senza davvero guardarci negli occhi.
Ma abitare con l’altro significa condividere vita, ritmi, progetti, con fiducia e reciprocità.
Solo così possiamo creare relazioni orizzontali e sviluppare insieme una coscienza condivisa, che si estende a natura e animali, per costruire insieme “il migliore dei mondi possibili”.

Sergio Carando (1951) è un grafico, fotografo ed artista originario di Borgo d’Ale, in provincia di Vercelli. In questa città studia pittura e decorazione, sviluppando il gusto verso un’arte preziosa e sofisticata. Attenzione però, il lavoro di Carando non allude alla preziosità quale sinonimo di sfarzo e opulenza, ma richiama l’aspetto più etico del termine e lo concretizza servendosi di tecniche complesse e materiali pregiati.

Carando è consapevole che l’eleganza risiede nella finitura del tocco e che l’armonia della composizione può trasportare e affascinare soltanto se sapientemente diretta. Ed infatti da compositore esperto dirige gli strumenti artistici con rara consapevolezza, per creare opere di una sorprendente ed eccezionale intensità.

Il quadro supera i confini imposti dalla cornice e finisce per diventare, come gran parte dei soggetti dell’artista, un vero e proprio classico. Un classico è ciò che procede nella storia riferendo sempre sé stesso, è uno spazio nello spazio, una dimensione mitica dove sogni, enigmi ed emozioni maturano liberamente. Allo stesso modo, le opere di Sergio Carando suggeriscono visioni d’altri tempi, riportano suggestioni antiche e le traslano nell’epoca moderna.

Proprio il dialogo con la storia appassiona e seduce chi guarda e riconosce nelle linee e nelle cromie di queste superfici la propria identità. Lo spettatore è trasportato nella trascendenza divina dell’oro, viene abbracciato dall’oltremare celeste, per poi trovare un rassicurante rifugio nel verde serafico. L’esperienza continua nell’ abbaglio dell’argento e termina tra le sfumature di rossi vertiginosamente profondi.

Le inattese sensazioni che i lavori sono in grado di suscitare nascono da un’ampia ricerca intellettuale e sono il frutto di un lavoro meticoloso ed appassionato, che richiede tempi di realizzazione estesi.

Nello specifico, per la maggior parte delle opere Carando usa come supporto una varietà pregiata di carta giapponese. Questo materiale ospita poi gli interventi successivi dell’artista: la stesura della tempera e l’applicazione della foglia d’oro o d’argento. Questa ultima fase è la più delicata perché la foglia è tanto preziosa quanto fragile e, affinché aderisca alla carta, è necessario porsi per qualche secondo in una condizione di “apnea”.

Successivamente l’artista estrae i pastelli soffici dalle scatole in cui sono custoditi rispetto alla tonalità e procede con la colorazione delle zone prescelte. Al termine di questo lungo processo avviene la finitura: Carando rimuove le eccedenze del pastello come fossero zucchero a velo, poi fissa il lavoro con un protettivo per impedire che materiali possano alterarsi.

Il risultato finale è eccezionalmente potente: un’intesa perfetta tra la nobiltà dei materiali selezionati e i colori che li integrano e valorizzano. Appena la luce incontra le superfici delle opere ogni parte acquista forza e significato, costruendo un dialogo con il resto delle componenti, lo spettatore e lo spazio circostante.

Sergio Carando è un artista colto, raffinato ed entusiasta che attraverso le sue opere crea con passione un discorso sinuoso e lineare, come una lezione di filosofia.

Trasportati in un oceano di ricordi e simboli che emergono simili a “reperti archeologici”, non si può far altro che lasciarsi coinvolgere nel turbinio di suggestioni di cui l’artista ci fa dono.

Dal 9 ottobre 2021 al 30 gennaio 2021 alla Fondazione Ferrero di Alba è possibile visitare la mostra “Burri. La poesia della materia”. Si tratta di un evento espositivo unico, in cui Bruno Corà ha tentato di concentrare in poche sale tutte le fasi della lunga vicenda artistica di Alberto Burri. Il percorso allestitivo scelto dal noto curatore non solo consente allo spettatore di entrare pienamente in sintonia con le intenzioni di un artista restio all’uso della parola, ma permette anche di cogliere tutte le influenze e le ascendenze culturali che ne hanno segnato l’opera.

Lo sviluppo dell’esposizione è caratterizzato dalla successione di supporti dai quali emergono come presenze fisiche i diversi materiali scelti dall’artista nel corso della vita. Queste costruzioni si ribellano alla bidimensionalità della tela e come attori ed attrici simulano teatralmente una comunicazione pari a quella tra i corpi vivi. Si tratta di presenze (o invadenze) che non provocano piacere in chi osserva, ma turbano ed opprimono perchè alludono senza illudere alle fragilità umane. Burri usa materiali “ostili” per mettere in scena una rappresentazione veritiera e realistica del mondo, dove l’osservatore si scopre in tutta la sua vulnerabilità. Per fare ciò l’artista rende lo spazio espositivo un vero e proprio campo di battaglia, dove l’uomo è assediato da una materia che irrompe e minacciosa brucia, fino consumargli l’ossigeno e rendere l’atmosfera soffocante.

Il confronto vis a vis con i lavori di Burri denuncia la natura sfuggente della materia artificiale, che appare esentarsi da qualsiasi controllo e crea da sé un nuovo linguaggio ben più efficace della parola. Questo è possibile perchè la realtà concreta basta a sè stessa, occupa la mente sinesteticamente, ed impedisce qualsiasi tipo di capriola mentale. L’urgenza espressiva dei materiali presentati da Burri sembra premere sull’umanità che si rapporta con essa. Lo spettatore sensibile può aprirsi a queste suggestioni materiche per farsi accompagnare, sollevare ed infine ferire dal loro inesorabile incedere. La visita si conclude con una riflessione sul linguaggio e sui suoi limiti: i lavori di Burri distruggono la comunicazione precostruita e dettano una nuova grammatica, dove il fraintendimento è impossibile. In definitiva, gridano senza fare rumore che l’umano è fragile e denunciano le tensioni di un’esistenza in precario equilibrio tra forze distruttive ed edificanti.

GIANLUCA CUTRUPI (Savona 1970)

Gianluca Cutrupi è un artista, ingegnere e designer di Savona. Il Fondatore della Kélyfos Gallery di Albisola considera l’arte un’“espressione libera”, capace di comunicare in modo immediato l’essenza estetica degli oggetti. In effetti, proprio l’esperienza nel design contemporaneo permette a Cutrupi di razionalizzare l’immaginario, restituendogli un’eccezionale armonia. Nelle mani esperte di Gianluca l’elemento fantastico è cristallizzato in forme essenziali. Si tratta di superfici seducenti che introducono lo spettatore in una realtà utopica, dove funzionalità ed estetica non bisticciano. L’opera del gallerista non stupisce soltanto perché rappresenta un’eccezionale concretizzazione dell’immaginario, ma anche per l’eterogeneità del suo iter formativo. Gianluca sembra giocare con lo spettatore, perché nasconde nelle forme semplici delle sue opere processi di costruzione complessi. Il più delle volte l’artista usa la ceramica, integrando alla fase di progettazione un accurato lavoro artigianale. Gli insegnamenti appresi tra le botteghe del savonese gli hanno infatti permesso di apprendere le tecniche moderne e tradizionali della manipolazione della ceramica. Queste sue molteplici qualità non sfuggono allo sguardo della critica nazionale, che gli ha riconosciuto importanti meriti. In particolare, di Cutrupi è apprezzata la capacità di restituire equilibrio al disordine del POP. Nelle forme esteticamente perfette dei suoi lavori si celebrano simultaneamente due strumenti artistici: la mano ed il computer. L’opera di Cutrupi è un’espressione compiuta dell’interdisciplinarietà artistica contemporanea, che parla il linguaggio moderno ma mantiene uno sguardo consapevole sulla storia passata. L’epilogo è la perla della Kélyfos: creazioni dalle cromie squillanti, capaci di restituire nuova linfa vitale alla tradizione.